ESCUELA DE ARTE Y CULTURA VISUAL UNIVERSIDAD ARCIS VALPARAISO

2007-08-22T08:11:00.001-07:00

2007-08-08T07:36:00.000-07:00

" Esta cabeza de playa, figura que alude (no elude) a las tácticas y estrategias de desembarco, y si fuera necesario, también a las acciones de reembarcarse dado que el fuego enemigo es incontrarrestable y la cuestión no es morir, tampoco sobrevivir, sino que entrar a las ciudades sanos y salvos. Toda nuestra preparación lo merece. A este encabezamiento lo sigue el detalle de acciones reputadas y desarrolladas por los académicos, los estudiantes (la palabra alumno está tachada ya que alude a la falta de luz, cabe advertir que la sola brillantez enceguece y deja en evidencia acciones regias) y los administrativos de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Arcis, sede Valparaíso. Hay otro legado, infame, carente de elogios, ya sea por opción, porque se quedaron en el camino, o eran definitivamente impresentables, bien por estas, por dicha bitácora utópica, sin lugar y sin tiempo.
Muchas iniciativas, las curatorías de la Sala Uno, nuestro espacio de muestras, junto con "El garage", utilizaron la jerga de los marinos, no se podía hacerles una "desconocida”. Todos los días desde nuestra Sede de Lautaro Rozas se podían ver las naves "al salir y al entrar". Éramos un proyecto Puerto, lo seguimos siendo aunque nos encontramos algo estrechos, hemos recibido a emigrantes y viajeros, también a locos y sus proyectos desmesurados, otros no han llegado a puerto. Se realizaron pasantías, charlas, tocatas, entre otras actividades. No todas las Escuelas de Arte pueden adjudicarse y ser reconocidas como espacios puertos, promotoras de un "libre comercio". "Santiago no es Chile" fue una de nuestras declaraciones, Valparaíso y la Quinta Región, tampoco, por ello, tenemos una presencia nacional y republicana de alumnos. Nuestro proyecto actualmente ha pretendido ser "bajado", no es la primera vez; sin embargo seguimos a flote; aunque parecemos frágiles, somos como algunas plantas, como los cardenales que crecen dentro de maceteros improvisados y cuelgan embelleciendo la vida popular.
A los lectores que arriben a estas "cabezas de playa" sean bienvenidos, incluso aquellos que esconden su "cartita bajo la manga", pero no esta demás advertirle que podemos ser plantas con espinas y sabemos de la industria artística, desde nuestras fábricas pueden salir cañones de pintura (observar acuciosamente nuestra memoria de trabajos). Por ahora estamos empeñados en reflexionar y accionar sobre las canchas de Chile, y algunos presumen de ser "los músicos del Titanic".

Les saluda Luis Rondanelli

Cabezas de Playa.

Mario Sobarzo - José Solís.

¿Qué cabezas de playa toman nuestra cabeza hoy? ¿Son las mismas cabezas de playa? ¿Hay una escuela que tenga alguna cabeza de playa en los profesores que la integran? Tal vez en ello radica la más absoluta riqueza estética y política de Valparaíso. La naturaleza de su problema, el del borde, es una potencia capaz de articular la reflexión interna de la propia institución que el arte intenta hacer suya para cumplir sus intereses. Los profesores, estudiantes y no académicos de la escuela de artes de ARCIS Valparaíso, no pueden sino afectarse de las dificultades que esta especificidad territorial y cotidiana no deja de donar.

Pivote entre ciudad e institución, el arte en Valparaíso -y en esta escuela- hace de esta bisagra su más profunda batalla, inscrita en una guerra aún más universal y heredera de la belicosidad vanguardista, aquella de un arte que, enfrentado así mismo, puja contra su propia y a veces inevitable reificación.

Diciembre de 2007.

Link Malla Licenciatura en Arte y Pedagogia(opcional)

N.A.R IN THE COURT

N.A.R. Algo que derrite la tierra sobre la que se instala. Texto sobre los gestos borrados, las miradas evadidas, las emociones excluidas en las prácticas artísticas post fordistas.

Introducción general.

En un momento donde las practicas artísticas, al parecer ya no son capaces de reestructurar su carácter rupturista ni sus poderes de puesta en crisis de las políticas institucionales que determinan su inanidad crítica, no parece posible erigir proyectos en los cuales ambos anhelos tengan un posible cumplimiento.

En efecto, los empeños relacionales o las estéticas de lo alternativo, panaceas visibles de un arte que desea ser la diferencia constituyente en un contexto de realidad marcado por el sin sentido maquiníco del proyecto neoliberal, han sido completamente recuperadas y absorbidas al interior de un mercado cultural, que en el presente se manifiesta omnipotente y liquido, mas aun, flexible y mutante, liberado de afectos y significaciones existenciales que pudieran mermar su acelerada realización global.

Claramente el arte actual más allá de las buenas intenciones expresadas por sus protagonistas, gestores y actores, ha caído en la más profunda de las inercias, saturado de eventualidades que celebran su importancia y preponderancia en tanto disciplina vigilante de los desigualdades ontológicas acontecidas en la sociedad, se ha mostrado como un espacio sin vitalidad y peor aun sin reservas problemáticas que pudieran legitimar la verosimilitud de su tarea liberadora pregonada en bienales, textos críticos y salones de clase.

El arte en su versión integrada al fatídico proyecto de neoliberación de las formas de ser y del ser no ha cumplido otra misión que transformarse en la guinda de la torta, es decir, en un detalle ornamental que decora un sistema societal en donde la vida ha quedado capturada en agenciamientos que procesan su multiplicidad y la reprograman en función de la continuidad redundante del ciclo mítico del consumo y la producción.

Artistas por la paz mundial, creadores unidos inventando tácticas para rescatar etnias o comunidades sumidas en la exclusión, espacios de exposición que buscan des-agregarse del circuito expositivo oficial alojándose en periferias artificiales, curadores desesperados por encontrar grupos sociales en extinción para legitimar una labor comprometida en el mercado global, estudiantes desencantados que dadaisan su hacer exorcizando la angustia que les provoca habitar realidades universitarias sin asideros referenciales consistentes, todas estas modalidades de trabajo son las axiomáticas que moviliza el capital en su performance integrada, no hay que sorprenderse, en su conjunto estas acciones y reacciones constituyen el modo en que el capitalismo cognitivo realiza la apropiación intensiva de los espacios culturales, generando polaridades y jerarquías en su interior que a la larga solo garantizan el eterno retorno de su voluntad productiva.

Dentro de este horizonte de prácticas consumidas y consumadas en los ciclos míticos del consumo y la producción, cabe imaginar un hacer que logre evadirse de los complejos controles que la sociedad actual impone a todo acto que se manifieste ajeno al menú o guión del capital. Es posible imaginar un lugar donde lo que suceda realmente este pasando y en el cual las relaciones allí convocadas aun puedan dar cuenta de la existencia de cariños, experiencias y vivencias no editables a lo ¡gran hermano! Puede existir ese pliegue topológico o espacio liso donde las percepciones y emociones no estén estriadas y organizadas en formatos comercializables, ya sea a través de un ojo-cuerpo domesticado por el turismo o de una mirada-mente cifrada en el redundancia semiótica de lo real. Desde mi punto de vista creo que aun es factible encontrar espacios imposibles y practicas menores que se descuelguen o pongan en fuga las sensaciones y las semióticas orgánicas que construyen la nervadura afectiva de una colectividad. Obviamente estos lugares no son arquitecturas de exportación, ni menos ensambles técnico relacionales que reflejan grandilocuentemente la pobreza empírica de sus usuarios, autores, divulgadores y adeptos, estos micro-proyectos son emprendimientos aleatorios que muchas veces se mueven en la emergencia y singularidad radical de sus autores, mas aun, son agenciamientos precarios que desean procesar magnitudes de tiempo y espacio en los cuales lo que circula es nuda vida, materia/corporal no reticulada no convertida en insumo lógico o mercancía epistémica funcional a relatos de poder travestidos de teoría falsamente militante.

Los espacios a los que me refiero son aquellos surgidos de la nada y destinados a la nada, lugares ilegítimos por naturaleza y anómalos por vocación que ven en su territorializar la efectuación de su propio acontecer, son localizaciones hibridas alimentadas por el deseo de encontrar, en una realidad hostil, cronologías y geografías abiertas a intercambios irrelevantes, a las palabras simples, a los contactos cotidianos, a las sensaciones comunes, a los gestos si código, en fin, a todo aquello que a quedado incluido por exclusión en las pistas de alta velocidad del capital.

INSTITUSIONALIZATE. N.A.R en Valparaíso.

Pablo Saavedra y Francisco Olivos conforman el colectivo N.A.R cuya sigla no hace referencia a institucionalidad alguna ni tampoco pretende aludir a un concepto legible e identificable en un mercado cultural en vías de desarrollo. N.A.R no significa nada, sin embargo, tatúa mágicamente sus cuerpos y los hace participes de una exterioridad sagrada, posibilitando su ingreso protegido en un campo expresivo donde los fuertes-integrados devoran a los débiles des-agregados. En efecto N.A.R es la marca que cifra la distancia biopolítica que mantienen con el sistema institucional A.R.T.E (otra sigla que en el presente comparece vaciada de significado pero a diferencia de N.A.R sin el poder de investimiento ritual) y también es el sonido que les permite inventar un margen semiótico difuso desde el cual articular un espacio de flujos, potencias, fuerzas y alteridades no cuantificables para la movida alterno-estética porteña. N.A.R es así, un espacio destinado a la antiproducción, quiero decir, un lugar ideado para la continua des-organización y perdida de los capitales movilizados por la industria cultural: una intervención des-figurante de la cartografía neoliberal.

Esta identidad bifronte, se refleja en los objetivos y medios que los componentes de N.A.R esbozan en una suerte de breve manifiesto ubicable en su Blogger de presentación, en este los autores declaran que las intenciones de N.A.R son las siguientes:

1- Mofarse de la condición de artista contemporáneo, aquel que cumple con ciertos requisitos y tiene ciertas funciones en cierta sociedad contemporánea.

2- Reírse de si mismo al entender sus propias aspiraciones como ente inserto en un insipiente circuito artístico.

3- Jactarse de poder mofarse, asumiendo ser pedante aun siendo muy poco experimentado, pecado de ser el mismo ente, joven chileno, fruto de la educación de dicho país que da a N.A.R tanto de que hablar.

Esta declaración de intenciones da cuenta de que el programa de trabajo que tienen en mente sus miembros se emplaza directamente en la emergencias del circuito de actuación que en la actualidad deben ocupar lo agentes culturales designados como artistas, dicha preocupación reflejada en el conjunto de ironías y congelantes escepticismos que despliegan en sus afirmaciones nos indica que su postura o su impostura técnica frente al espacio institucional del arte mas que ser de desencanto o rebeldía es de franca provocación, con esto me refiero, a que Saavedra y Olivos se saben envueltos en un reality cultural y por ello re- accionan ese set agenciando una ficción digital-virtual que les otorgue autoridad y autonomía política en un campo de producción estética que se manifiesta confuso respecto al sentido critico del arte y a las responsabilidades sociales del artista.

N.A.R por ende se constituye en un laboratorio heterológico que procesa las relaciones de corte-edición- anexión-codificación de los flujos de intensidad que traman, sin ser tasados semánticamente, los flujos no-narrativos, no-figurativos, no- representativos presentes en las operaciones, entre comillas, criticas realizadas por el arte en su etapa post fordista. Como lo especifica Deleuze en sus clases sobre el Anti-Edipo “Una sociedad sólo le teme a una cosa. Al diluvio. No le teme al vacío. No le teme ni a la penuria ni a la escasez. Sobre ella, sobre el cuerpo social algo chorrea y no se sabe qué es, no está codificado y aparece como no codificable en relación a esa sociedad. Algo que chorrea y arrastra a esa sociedad a una especie de desterritorialización, algo que derrite la tierra sobre la que se instala. Este es el drama. Encontramos algo que se derrumba y no sabemos qué es. No responde a ningún código, sino que huye por debajo de ellos.” N.A.R calza perfectamente con lo descrito por Deleuze, en cuanto su identidad no rotulada con un sentido localizable podría bien ser ese ¡algo! que derrite la tierra sobre la que se instala, esa maquina autopiética que analiza los puntos de singularidad y fuga que corren por debajo de los sistemas de control: una especie de plataforma epistemica que reinventa continuamente su vida critica en función de chorreos y derrumbes, de las ruinas y los escombros que construyen los escenarios espectaculares y profilácticos del arte contemporáneo y de nuestra vida mundializada.

Estos aspectos sagrados/profanos y simbólicos/productivos se materializan de forma clara y precisa en su primera okupación de un espacio expositivo, la cual es realizada en la Galería Garage de la Universidad Arcis de Valparaíso cede Artes Visuales/Cultura Visual ubicada en el Cerro Alegre. La muestra o la rotativa curatorial titulada con la sugerente invitación INSTITUSIONALIZATE se propone como el emplazamiento de una oficina o taller donde los miembros de N.A.R se ponen al servicio de la gente que desee participar de su singular proyecto y proyección. Los artistas de este modo se convierten en funcionarios de su propia micro empresa, sujetos biopolíticamente auto-organizados que cumplen rigurosos horarios de trabajo y establecen a través de la matematización performática de sus cuerpos un compromiso responsable con los artistas invitados y con el público asistente. Olivos y Saavedra son así una sociedad anónima una compañía autónomo/ limitada que presta servicios a la comunidad pero simultáneamente son un dispositivo corporal que produce trabajo y da trabajo poético, remediando la cesantía de sentido que inunda la escena artística y social.

Para abordar el conjunto de flujos que el artefacto N.A.R diseñado por Olivos Y Saavedra edita en el espacio Garage, pienso que seria más pertinente desarrollar una revisión técnica de las piezas que componen el mecanismo emplazado. Una lectura de este tipo no recaerá en la mirada estético-romántica que ve las obras como superficies de expresión subjetiva sino en una pragmática de flujos que concibe las obras de arte y los sitios de exposición como dispositivos-maquínicos productores y editores de subjetividad.

La escritura desprendida de este análisis se acercara más a un programa de trabajo, ya que, este formato técnico posibilita otorgar a lo visto la posibilidad de seguir operando políticamente en la escritura.

Mauricio Bravo Carreño

Meada Territorial 2009

Este proyecto apunta a un nuevo centro: expandir los límites del espacio ideal que se ofrece para la producción y lo no-producción –la galería o el museo-, para llevarlo a un todo; este TODO significa llevar, trasladar ese espacio ideal al cotidiano, al movimiento del sujeto dentro de este –su- cotidiano.

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MEADA TERRITORIAL 09
Colectivos N.A.R. & LAS CABEZAS

A diferencia del encuentro anterior –encuentro que, a pesar de tener una baja publicitación, digo, logró efectivamente reunir una gran cantidad de problemáticas, obras, personas y experiencias- este proyecto apunta a un nuevo centro: expandir los límites del espacio ideal que se ofrece para la producción y lo no-producción –la galería o el museo-, para llevarlo a un todo; este TODO significa llevar, trasladar ese espacio ideal al cotidiano, al movimiento del sujeto dentro de este –su- cotidiano.

Como primer agente expositor, contaremos con la obra “Espéculo gimecológico”, de Andrea Urra, artista visual proveniente de Constitución, la cual será exhibida desde este martes 2 de junio hasta el 12 del mismo mes, para luego dar paso a otros agentes expositores y sus respectivas obras-instalaciones.

Para la inauguración está contemplado un vino de honor y la participación de bandas musicales, como Parceros del Infierno, Organismo soul beat, Jesús Sabandija, Cachivache, entre otros.

El evento se realizará en la Sede de Artes de la Universidad Arcis Valparaíso, ubicada en Cerro Alegre 428.
La entrada es liberada y la permanencia también.

Una Horda de Quiltros ataca Valparaíso
La 2ª Meada Territorial de los jóvenes artistas de Arcis Valparaíso nos invita a pensar más allá del esnobismo tan propio de los círculos ligados al arte en Chile. En el nombre de su construcción colectiva se cruza una cierta anestética construida desde la incomodidad con el extraño estatuto que representa estudiar artes visuales en Valparaíso, capital de la institucionalidad cultural que el “progresismo” construyó. Es por ello que el gesto provocador de mearle el territorio a la organización burocrática tensiona el límite mismo del gesto artístico que los 2 colectivos proponen.
Pero la acción de arte es también articular ese trabajo desde colectivos que se reúnen para apropiarse de un territorio hostil que ni los desea ni los soporta. En el poder de su nombre fundacional se identifican con esos perros porteños que tanto molestan a los turistas. Ahí donde el afán de escaparate puede más que un experimento universitario con pies de barro. Ahí en ese sitio que no genera acumulación comercial ni política. Ahí, en el círculo de reproducción de una escena marcada por la tendencia a las dinastías. Es ahí donde esta construcción basada en la desindividualización que implica la identidad colectiva es, cuando menos, tensionante para los futuros trabajos que est@s artistas desarrollen.
Por otra parte, los mismos trabajos que ambos colectivos realizan, suponen una especie de estructura dual. Este carácter doble y, por otra parte, dialéctico constituye un fenómeno de articulación central del contenido del mensaje que ellos presentan. O que, más bien, habría que señalar: se constituye ahí. La meada en este sentido es la invitación a mear el territorio. A limpiar Valparaíso del perfume afrancesado de una aristocracia rancia. Que eso suceda en el Cerro Alegre es un atentado a la moral y las buenas costumbres. ¡Salud por eso!

Mario Sobarzo Morales

Segundo encuentro de artes visuales UArcis Valpo.
Meada Territorial 09
Mayo 2009
Mancomunión Colectivo N.A.R. & Colectivo Las Cabezas

A diferencia del encuentro anterior –encuentro que, a pesar de tener una baja publicitación, digo, logró efectivamente reunir una gran cantidad de problemáticas, obras, personas y experiencias- este proyecto apunta a un nuevo centro: expandir los límites del espacio ideal que se ofrece para la producción y lo no-producción –la galería o el museo-, para llevarlo a un todo; este TODO significa llevar, trasladar ese espacio ideal al cotidiano, al movimiento del sujeto dentro de este –su- cotidiano. Establecer que: a)por más globalizados que estemos, sintamos o nos hagan sentir tal cuestión, la respuesta-actuar siempre será acorde a la atmósfera-sistema que acoge-soporta al individuo; b)articular un/unos espacio/espacios que estén fuera de las esferas metálicas-económicas y limítrofes; c)incentivar la “INSTITUCIONALIZACION” de los productores artísticos y, por ende, sus producciones y no-producciones; d)volver al espacio de la galería, a los sistemas que la componen –plinto, cuadro-marco, muros blancos, etcétera-, a fin de problematizar la distribución e inamovilidad de éstos, su profilaxis, y así cuestionar derechamente al cerrado circuito de curadores y consagrados que, precisamente, manipulan y gobiernan estos plexos.
¿Ironizando?

De N.A.R. se dice –respecto, claro, de su “laboratorio heterológico” -: “un espacio destinado a la antiproducción, quiero decir, un lugar ideado para la continua des-organización y pérdida de los capitales movilizados por la industria cultural: una intervención des-figurante de la cartografía neoliberal” .
Por parte de Las Cabezas, el sistema mecánico funciona de la misma forma: elementos infiltrados en el contexto-atmósfera artístico (porteño), volcados a estos lugares por la necesidad de hacer de ellos espacios vivos, espacios que sirvan de-por-para los pequeños y medianos productores. Así, nos encargamos, sistemáticamente, de descascarar los linóleos teóricos que curadores y consagrados, con tanto esmero, cautela-rimbombancia, han tratado de mantener.
No se trata de un colectivo, o del otro. O de la unión de uno con el otro. Se trata de un intento.

El Proyecto (1.-)La Galería más pequeña del Mundo & (2.-) La Mochila como elemento de trashumancia, registro de chorreo, posición, funcionalidad y re-funcionalidad, diseñado por ambos colectivos, reafirma la posibilidad de la des-estructuración, re-distribución, re-funcionalidad, movilidad y accesibilidad al espacio ideal de la galería o el museo, así como por y para los pequeños y medianos productores de objetos artísticos, tanto como por y para los afectados por exposición. Esto porque, simplemente, tanto el espacio de la propuesta 1, que no alcanza a ser un rectángulo de 1 mt³, que no cuenta con uso determinado o conocido, devendría en espacio ideal, sin embargo estático. Alegórico. Con Casa Matriz en Lautaro Rosas #428. C° Alegre. Valparaíso, V Región. Chile.
En tanto la segunda se constituiría en contraparte del proyecto 1. No se trata de que rivalizan, sino de que ésta –la segunda propuesta- es la experiencia, el mini museo, la mini galería, ambulante, trashumante… el acercamiento del A.R.T.E. a la gente, el sentido de la vida de los pequeños y medianos productores, lo que quizá alimente las famélicas guatas de éstos y los suyos.
La Mochila –que, por suerte no será azul, a no ser que algún destinatario de ésta así lo decida- deviene en la risa oculta de quienes operan en los intersticios, pero que sin embargo, no tienen miedo de encarar, salir de la oquedad y cantar y reír, desgañitándose, jugar a los vivos, serlo y tratar –si se puede, claro, todo dependerá de los efectos que surta la exposición y la posible meditación-arraigo-re-postulación del afectado- de ayudar a barrer el camino.

Es un hecho que entrar en mayores definiciones teórico-poéticas resulta un tedio, por tanto esta exponencia concluye aquí. De los alcances que la actividad produzca, esperamos sean óptimos.

Sin más, se despiden cordial y calurosamente,

Colectivos N.A.R. & Las Cabezas: los Gestores.

Valparaíso, 24 de abril de 2009.

Institucionalizate¨ es la ocupación de Espacio Garage como plataforma de trabajo, oficina, taller y lugar apto para exhibición de obras de arte, un campo de creación, acción y exposición constante. La obra se sustenta en la diaria y continua modificación de lo expuesto por parte de agentes externos al colectivo, llámese, artistas invitados, espectadores, transeúntes y expositores de otras disciplinas acordes a las artes visuales, abriéndose a una suerte de improvisación diaria controlada e intervenida por los agentes internos (Miembros del colectivo), respondiendo a un estricto rigor horario propuesto y llevado a cabo por N.A.R.

La intención mas próxima es poner en crisis la ya critica idea de institución en el arte, tanto política como académicamente, abriendo las puertas del espacio expositivo a los agentes externos ya mencionados.

1- El espacio Garage

El espacio intervenido o suspendido por el artefacto N.A.R es la sala exposición Garage de la universidad Arcis Valparaíso, dicho espacio es un garaje que actualmente es okupado como galería de exposición permanente, acogiendo las obras de artistas contemporáneos. Las características físicas del lugar son las propias de toda arquitectura destinada a la función de proteger y resguardar un vehiculo con la particularidad de que su suelo es de tierra e irregular y la reja que separa el adentro del afuera es una frágil estructura de metal y malla que posibilita la visibilidad de los objetos en exposición. Maquínicamente el espacio Garage produce reserva y oscuridad, no poseyendo un sistema de iluminación adecuado a la exposición de obras, exige que las mismas deban portar/producir su propia luminosidad o aura artificial. Por otra parte la reja que delimita el adentro y el afuera genera una clara separación entre los flujos de la vida y los flujos estéticos, los cuales permanecen alojados en la penumbra y editados por una distancia hermenéutica.

2- La acción de OKupar.

Más que una intervención del espacio Garage N.A.R se propone una movilización, con todo el rigor político que conlleva recuperar la movilidad de un corpus social congelado en la inercia técnica de los fines y los objetivos que rigen y programan su devenires existenciales y sus voluntades políticas. Como lo enuncian sus autores “INSTITUCIONALIZATE es la ocupación de un espacio como plataforma de trabajo, oficina, taller, lugar apto para la exhibición de obras de arte, un campo de creación, acción y exposición constante” es decir su hacer tiene como objetivo transformar la pasividad fenomenológica de la sala de exposición en un centro de activación estético que multiplique los activos involucrados en los procesos de creación grupal. Esta acción, dado que se realiza y cumple en el tiempo, no solo provoca el desarraigo de las funciones habituales de un espacio de exposición sino que gracias a las figuras retornadas del imaginario laboral, taller, oficina, plataforma de trabajo, se materializa maquinícamente en el lugar como la puesta en marcha de un dispositivo que produce nuevas representaciones e identidades en un mundo determinado por las relaciones de producción. Este factor es muy importante porque es el índice de ruptura que los diferencia de las ya comunes propuestas relacionales que han inundado nuestro país, la diferencia que establecen Olivos y Saavedra consiste en que su relacionabilidad tiene como derrotero romper con los sistemas de modelización a partir de los cuales están siendo editados los sujetos participes directos o indirectos de su operación (turistas, vecinos, alumnos de Arcis, transeúntes etc.). Lo buscado por los autores es, entonces, pervertir o desviar la cadena de redundación subjetiva y para ello direccionan sus estrategias a los cuerpos convocados. En efecto lo que genera INSTITUSIONALIZATE al abrir las rejas que disocian el interior del exterior e invitar a los curiosos a incorporarse en una ficción de poder, es activar en los cuerpos disposiciones gestuales que sin esta apertura e invitación no serian posibles, su trabajo así, no desea crear vínculos entre los usuarios de su sistema, sabiendo que no es eso de lo que adolece el cuerpo social, sino contrariamente lo que ellos pretenden es romper con las indisposiciones corporales que determinan lo rituales y las formas que deben tener los flujos de afectividad al interior de una red heterogénea de subjetividades; induciendo fugas que descompriman y desfiguren su contención estético/emocional. En síntesis la maquinaria perfo-cognitiva, uso esta palabra compuesta para signar la confluencia simultánea de afectos, perceptos y conceptos, de Olivos y Saavedra se instala en el cerro alegre para detonar procesos de experimentación con la vida, tales procesualidades debieran posibilitar la aparición de singularidades vitales, quiero decir, la irrupción en la superficie reticulada del capital de miradas evadidas, señas contenidas, emociones desviadas y afectos comprimidos: nuevos formatos de alojamiento existencial.

3- Sobre relación-habilidad e investiduras sagradas de los cuerpos.

Como lo enuncie en el titulo del este articulo la propuesta de Olivos y Saavedra problematiza desde varios ángulos las practicas artísticas surgidas al interior del horizonte social llamado post fordista. Dicho horizonte se caracteriza por el paso de las lógicas laborales o de producción desde su constitución sedentaria o fija hacia su ejercicio líquido y flexible catalogado de nómada. Estas transformaciones radicales son correlativos a la expansión ilimitada de la producción, la cual en el presente incorpora las dimensiones afectivas, cognitivas e inconscientes del sujeto, efectuando la instrumentación total de sus dimensiones ontológicas. Tales cambios han encontrado en las artes visuales ciertas resistencias, sin embargo, la contextura mutante de los nuevos sistemas de poder y control no han tenido mayores dificultades para hacer de estos contra discursos críticos un soporte eficaz de continuidad axiológica. Dentro de estos formatos de lo escurridizo y lo participativo las estéticas relacionales son las que mas han resentido su recuperación y posterior edición comercializable, efecto que ha causado también, la configuración de un estilo o manierismo de lo relacional que ha venido a territorializar la casi totalidad de nuestro campo artístico (mal menor). Lo complejo de esta situación es que los planteamientos plásticos y conceptuales movilizados por las estéticas relacionales ponen en juego la vida, pero la ponen en juego sin comprender su economía ontológica ni menos entendiendo como esa existencialidad esta siendo envuelta en intercambios reactivos que reducen su independencia y vitalidad autopoiética. Esta apropiación superficial de lo viviente ha conducido a estas manifestaciones artísticas ha confeccionar una serie de estrategias, que si bien, pueden ser formalmente interesantes no logran su objetivo primordial: el cual es liberar los afectos y los vínculos humanos de su captura o inscripción en las redes del mercado. Tal fracaso en la administración de los saberes técnicos que nutren las experiencias de creación critica se ha dejado sentir en la recomposición de un espacio estético que mas que negar o poner en cuestión al sistema, le ha entregado los medios y los recursos bíopolíticos para llevar a cabo de mejor manera la borradura de las formas de ser y del ser contemporáneas que le son ajenas o no constitutivas. Lo relacional, por ende, no podrá poner en crisis un agenciamiento político que se legitima en espacios estéticos neo-populistas o post-participativos, ni tampoco podrá sabotear un régimen de poder que funda su actuar en la des-localización continua de las emociones de sus centros ontológicos y cognitivos.

Al interior de este paisaje de prácticas caídas en el academicismo de la buena honda participativa, lo planteado por N.A.R, me parece que saca y pone en la mesa de los haceres cuestionantes unas cuantas diferencias que vale la pena rescatar y poner en escena textual.

La primera de ellas es la utilización poético/política del sitting de la producción. Esta apropiación la hiper-realizan Olivos y Saavedra yuxtaponiendo al suelo irregular de Galería Garage un espacio de trabajo, compuesto por todos los dispositivos emblemáticos que el capitalismo, en su versión neurológica, exige para efectuar de manera adecuada la repetición de los caractereres identitarios afines al sistema.

Con este gesto paródico N.A.R abre un espacio relacional, pero, la interactividad que ofrecen al usuario artista o transeúnte ya no consiste en un mero contacto sensorial o en un tiempo de participación liberado de la angustia cronométrica que normaliza nuestra vida cotidiana, no claro que no, los chicos de N.A.R involucran a ese distraído espectador de rarezas o multifacético creador en un espacio de intercambios maquínicos en donde su estar allí se ve remitido a lógicas inter-actuantes que sin ser aparentemente diferentes tienen muy poco que ver con los valores trasmitidos por las representaciones dominantes. Lo interesante del asunto N.A.R es que el participante ingresa en un setting difuso donde tendrá que realizar labores precisas de trabajo y además, deberá estar dispuesto a soportar la intervención vigilante de sus organizadores, con esto quiero aludir, que el espectador de institucionalízate será inscrito en un programa de producción pero en un programa de producción que a la larga no desea alienarlo sino opuestamente invitarlo a encontrar las disciplinas polisémicas que rigen sus rutinas internas de liberación.

Intervención a la intervención. Pablo Saavedra-Mario Z.

El segundo aspecto destacable del montaje o dispositivo es el cubo blanco situado al centro del espacio, este habitáculo mínimo es ofrecido a artistas e interesados en general a ser intervenido y provocado estéticamente. El cubo de características que parodian los espacios expositivos no cuenta con las condiciones necesarias para efectuar dicha noble tarea, mas aun su precaria apariencia da clara cuenta de la fragilidad operativa con que enfrenta materialmente las gestiones des-estructurantes del arte actual. Esa puesta en abismo retórico de un espacio fallido cumple el mismo rol que el conjunto de reglas desplegadas por los artistas es su operación, me refiero a que su objetivo es fallar y por tanto habilitar y legitimar actividades que no puedan ser identificadas al interior de un contexto normado. El cubo entonces produce diferencias y diferimientos, experiencias con la vida que finalmente no constituyen un capital de información interpretable desde un ángulo de saber específico.

La tercera auto-gestación de interés radica en el acto preformativo de investirse con mamelucos de trabajo y signar sus espaldas con el lema “artistas a su servicio”. Este factor que atañe directamente a los cuerpos y problematiza su ingreso señaletizado en el espacio social contemporáneo, nos indica, que las pro-positividad corporal contenida en N.A.R aspira a poner en tela de juicio aquellos designios físicos y meta políticos que determinan que es y que no es el cuerpo en el horizonte neo liberal. Según Michel Foucault en sus clases sobre el nacimiento de la bíopolitica tener un cuerpo en la actualidad implica contar con un capital de base, es decir, el cuerpo es nuestra primera inversión ontológica, es ese dispositivo o micro empresa que si lo administramos con sabiduría podremos obtener de el recursos insospechados para realizar-nos de manera optima y autónoma en la escena productivista actual. El cuerpo así, a dejado de ser un lugar, un espacio, una experiencia, una metáfora y se ha convertido en maquina, potencia operativa, un asunto de gestión, autogestión, inversión, costo y beneficio. Nuestra corporalidad entonces la vivenciamos al interior de procesos cuantificables, altos rendimientos, resultados y datos estadísticos que más que permitirnos una relación con nosotros mismos nos entrega una información necesaria para localizar nuestro self en un espacio de estrategias de posicionamiento.

Frente a este complejo emplazamiento corporal las operaciones preformativas realizadas por Lillo y Saavedra sacan a relucir tácticas que hacen evidente los designios biopoliticos del cuerpo / artista: efectivamente en la actualidad más que en ningún otro momento de la historia, ser artista implica un acto de sometimiento total al campo de exigencias de la industria cultural global. El cuerpo-artista, así, ya no se localiza en un espacio de diferencia radical o singularidad extrema, ya no es un punto de fuga o vector de desterritorialización, todo lo contrario, el cuerpo-artista es la efectuación orgánico-expresiva del capital, su faz estética, ni sujeto, ni objeto, mas bien dispositivo cosmético de las nuevas políticas de desarrollo económico/cultural: para enfrentar y evadir este conjunto de funciones exigidas por los estados globales al cuerpo-artista los miembros de N.A.R deciden radicalizar esta metáfora y convertirse en recursos bío-técnicos al servicio del sistema; al servicio de las necesidades y demandas de un estado cultural que piensa su self institucional como mera plataforma de paso y traspaso de los imaginarios planetarios. De esta manera Olivos –Saavedra convertidos en replicantes del agenciamiento que les dio la vida, asumen dicha maternidad revolucionariamente, quiero decir, que los artistas deciden operar desde el reconocimiento de que su actual identidad no es el resultado de tendencias o facultades innatas o naturales, sino que esta posición de enunciación estética, es la consecuencia de los miles de procesos maquinicos que el capital, en su performance intensiva, impone a ciertos organismos para que en el futuro se conviertan en lo agentes productores de sus efectos simbólicos. Por otra parte, tal curioso saber les permite empoderarse de su rol y ejercerlo post-políticamente, haciendo de sus puesta en hacer una practica pivotante y polívoca que restituya a sus si mismos la autonomía y potencia necesaria para operar simétricamente en un espacio de poder. El cuerpo N.A.R no es una corporalidad cifrada por las políticas de genero, ni tampoco un organismo filosóficamente sitiado, N.A.R es una masa deslocalizada que se moviliza en los pro y los contra identitarios del mercado global de la comunicación.

Intervención teórica. Mauricio Bravo.

4- Para finalizar Institucionalízate.

Para finalizar me gustaría aludir al nombre de la primera okupación o usurpación identitaria realizada por el colectivo N.A.R. Este nombre es la palabra INSTITUCIONALIZATE, me llama la atención porque convocar a la gente a formar parte de algo supondría que la colectividad se mueve en una suerte de territorio carente de legitimidades que rijan sus acuerdos de pertenencia. Esta situación como digo implicaría una comunidad huerfanizada por el sistema, obligada a deambular sin dirección ni sentido (zombificada), con lo cual o para la cual una invitación como la propuesta por N.A.R seria lo mas esperado o lo mas ideal. En realidad nuestro mas oscuro fantasma atañe directamente a lo propuesto por Olivos y Saavedra, pertenecer, ser parte de, estar en alguna lista o estar miembrado en algún sindicato o comunidad de turno (todos al menos hemos cometido alguna vez ese micro pecado inicial). Efectivamente N.A.R nos ofrece agregarnos al sistema pero desde un cúmulo de tierra derretido por su propio acontecer critico, entonces cabe reparar a que nos invitan y a que nos llaman desde el puerto nuestros jóvenes artistas. Desde mi punto de vista su llamada es un aullido de lobos, un grito editado en la red que nos convoca a encontrar salidas donde no las hay, una señal que nos incita a buscar pliegues en un sistema que ha absorbido todos sus fueras y metáforas vitales.

Mayo de 2009

Mauricio Bravo Carreño. Artista Visual Y teórico Independiente, docente Universidad Arcis Valparaíso, Universidad Uniacc, Universidad Tecnológica de Chile Inacap, Universidad Andrés Bello.

Para mayor información de las actividades del colectivo N.A.R y del espacio Garage se pueden visitar sus Blogger de trabajo.

colectivo-nar.blogspot.com

espaciogarage.blogspot.com

Mauricio Bravo docente de nuestra escuela expone su obra en el MAC de Quinta Normal

Escritor convoca a Primera Cumbre de Pueblos en Ruinas

Por Marcelo Mellado Docente Escuela de Arte y Cultura Visual Arcis Valparaíso

Los hechos. En mi querido San Antonio varias agrupaciones culturales y sociales se tomaron una escuela abandonada para desarrollar allí un proyecto de educación popular. Éste cuenta con el apoyo de un sector importante de los vecinos. El mismo espacio es pretendido por la municipalidad que lo quiere destinar a estacionamientos para un proyecto de mall-casino, contraviniendo una decisión adversa de la Contraloría y participando impúdicamente de una iniciativa empresarial de la que debiera estar ajena.

Hay un conflicto ad portas que enfrenta dos visiones de hacer ciudad que por ahora se contraponen y hasta se desprecian, la impositiva y la participativa.

Ambas miradas o van al choque jurídico policial o negocian. Se trata del bienestar de la ciudad o el interés personal. Sí, porque muchos suponen que aquí funcionó el famoso y nunca bien ponderado impuesto al KVA (el Kómo Voy Ahí), el que habría alcanzado para financiar harto más cosas que a los concejales reelectos apoyadores del negocio, más el alcalde, el que incluso pegó su foto e imprimió un saludo a la entrada de la obra,para que no quepa la menor duda. Es toda una atracción turística que, además, debiera tener valor judicial.

Ojalá ninguna visión triunfe, soberbiamente, sobre la otra, más aún, esperamos un acuerdo de complementación. No puede ser que una iniciativa empresarial actúe invasivamente e impida el desarrollo de un emprendimiento cultural educativo que surge de la propia ciudadanía, constituida en contraparte social, digo yo.

Esta situación no es distinta a la que viven muchas otras ciudades y pueblos de Chile en donde unos cuantos acabronados, hijos huachos del power central, enquistados en los municipios, hipotecan y venden (en este caso es casi una regalía por las exenciones tributarias) el patrimonio de sus comunidades.

Lo hemos dicho en varias oportunidades, nuestra ciudad fue abandonada por el Estado, estamos en situación calamitosa, el crimen nos tiene cercados y podemos entender la razón por la que mucha gente cree en un proyecto de mall-casino, ya sea por las promesas de empleo, por el tema de los ingresos municipales y el supuesto efecto turístico; pero para eso no tenían porqué comprometer nuestro derecho a vista y el borde costero. Lo más probable es que quedemos convertidos en una combinación entre Saigón y Las Vegas (la vega chica).

Y para colmo.

Somos la localidad con más ruinas por metro cuadrado del país, estamos haciendo el catastro y es pavoroso, ojo, se incluyen ruinas nuevas, recién terminadas, como puentes e infraestructura para la pesca artesanal (la llamada Lonja). Pero ese dato de identidad es también nuestra fortaleza. Y como los artistas son los únicos que pueden rentar de esas situaciones (y también los especuladores inmobiliarios, igual de delirantes) es que un abanico de organizaciones culturales y sociales emprenden la titánica pega de armar un proyecto autónomo, ciudadano y no empresarial, a pesar del compromiso del alcalde y su corte de concejales de entregar territorio.

Sumado a lo anterior, resulta que las autoridades se quedaron con las tijeras en la mano, sin poder cortar la cinta del puente más conectivo del territorio (se suponía que debía unir dos carreteras), la cagá se está hundiendo irremediablemente, y para colmo, el paso bajo nivel o nuevo ingreso al puerto, otra maravilla de la conectividad laguista, se inunda ante el menor chubasco. Estamos meados de perro. Y pa’ peor Tombolini es candidato a diputado por la zona, distrito ideal para cadáveres políticos. Estamos obligados a ser un pueblo creativo para solucionar nuestros problemas y generar iniciativas con sello propio.

El encuentro de pueblos abandonados.

Sobre la misma yo recibí un correo de un amigo de Los Valles Transversales comunicándome, junto con alguna gente del norte, la intención de realizar la Primera Cumbre Nacional de Los Pueblos Abandonados y Ruinosos de Chile, a realizarse –me proponía– obviamente en nuestra localidad, porque es precisamente una de las más abandonadas y ruinosas de todas. Obviamente esperamos el auspicio de varias municipalidades, incluidas la nuestra que sería la sede y que además es cabecera de provincia. ¿Se imaginan el discurso inaugural del alcalde? Y lo más probable es que hagamos la actividad en la Escuela Uno, entre muchos otros eventos que se están realizando, como son la implementación de talleres, seminarios, feria de trueque y las actividades constructivas propiamente tal (ver nuevaescuela1.blogspot.com).

Todos sentimos el lugar como recuperado por el pueblo y ahora estaríamos en el período de habilitación. Esto significa que la educación y la cultura son los niveles privilegiados a la hora de promover los cambios fundamentales que nuestra comunidad requiere.

San Antonio está en marcha, San Antonio reconstruye y oferta su modelo de revolución antiglobalización capitalista -y sobre todo prociudadanía-a todo el territorio nacional. He dicho.

Marcelo Mellado (imbuido del espíritu de la escuela 1)

Fuente THE CLINIC

Estimados amigos:

Junto con saludar me dirijo a ustedes para invitarlos a la inauguración de la muestra "6 Productos", exihibición organizada por el grupo de egreso 2008 de la carrera de Arte y Cultura Visual, de la universidad Arcis Valparaíso, este importante evento se llevara a cabo el día Martes 09 de Diciembre de 2008 en la sede Lautaro Rosas 428, Cerro Alegre, Valparaíso, a las 19:30 Hrs.

Los expositores de la muestra son:

Hugo Navarro Zuñiga

Celeste Nuñez Bascuñán

Pablo Saavedra Arévalo

Francisco Olivos Lallave

Yessica Taucan Castro

Nemesio Orellana

Esperando contar con su presencia, que dara mayor realce a este evento.

Atentamente.

Egreso 2008

Escuela de Arte y Cultura Visual de la Universidad Arcis Valparaíso, le invita cordialmente este lunes 17 de noviembre a las 11:30 hrs. a una conversación con el artista español Marcelo Expósito, quien nos contará más de sus proyectos,

Organiza: Centro de Residencias para Artistas Contemporáneos (CRAC)

Galería Sala Uno de La Escuela de Arte y Cultura Visual de la Universidad Arcis Valparaíso, a cargo del director de Carrera Don Luis Rondanelli, tiene el agrado de invitarles a la exposisión denominada “Donde está el peligro está lo que se salva” , la exposición tiene como objetivo mostrar obras de los alumnos de la carrera, entre los que destaca la participación de , Pablo Rubio, Myren Uriarte,Cristina Doré, Daivy Pallauta, Maria Paz Escobar, Osvaldo Vidal, Javiera Marín, Cristobal García de la Huerta, Jorge Román, Soledad León, Valentina Ramirez, Juan Carlos Ampuero, , Carolina Bertrán, Elsa Frottier y Felipe Rojas, la muestra esta basada en trabajos producidos al interior de los talleres de Pintura, Escultura, Gráfica, Video y Fotografía, especialidades con que cuenta la carrera.

La inauguración se llevará a cabo en las dependencias de la sede ubicada en calle Lautaro Rosas #428, Cerro Alegre Valparaíso, el día viernes 14 de noviembre a las 19:00 horas, extendiéndose hasta el jueves 04 de diciembre.

Esperando contar con vuestra grata presencia se despide cordialmente

Luis Rondanelli Morales

En el contexto de Segunda Bienal Internacional de Performance 2008, se desarrollará por primera vez la modalidad de Encuentro Ínter Universitario. Por ello, La Escuela de Arte y Cultura Visual Arcis Valparaíso Convoca a un coloquio de artistas invitados y muestra de obras de los estudiantes y egresados de las escuelas de Artes Universidad Nacional Andrés Bello, Arcis Santiago, Arcis Valparaíso, Entre los artistas invitados se presentara Lisette Olivares de Estados Unidos, curadora y teórica, que hará énfasis en la situación de la Performance en el contexto del arte contemporáneo, analizando a figuras importantes como Vito Aconci. Otros artistas participantes en la Bienal, exhibirán en espacios de debate y encuentro sus desarrollos de obra en la línea de la Performance.

blog con imagenes de sebastian silva

http://ssilvaforsale.blogspot.com/

Aparte de músico (es vocalista de Yaia y C.H.C) y director de cine, Sebastián Silva se define como un ilustrador.

sobre proyectopiloto

http://proyectopiloto.cl/

Proyecto Piloto se ocupa de vincular al público infantil con la actividad cultural de la ciudad y de ingeniar el encuentro del niño con la obra de arte para que esta experiencia sea significante y duradera, y se constituya ésta en la base de un compromiso personal y a largo plazo con la cultura.

Este propósito se realizará en las siguientes tres etapas:

Asociando a los espacios culturales entre sí, por medio una cartelera cultural (boletín bimensual impreso, afiche y página Web) que será repartida especialmente en los colegios y que incluye toda la información pertinente a estos espacios e indica claramente su programación.

Estableciendo, por medio de visitas guiadas, vínculos directos entre los espacios y un número de colegios municipales deseosos de poder ofrecerle a sus alumnos una mejor educación artística. Aquí se incluye un trabajo con los profesores de cada curso elegido, para que ellos también se vayan familiarizando y capacitando en el tema de las artes contemporáneas.

Generando una serie de actividades y materiales para ser utilizados tanto en las visitas guiadas como por cualquier niño o niña que visite alguno de los espacios asociados. El diseño de estas actividades y materiales orientados a acoger al público infantil lo realizará el equipo de Proyecto Piloto, por medio de un análisis artístico y pedagógico de las obras en cartelera. El objetivo de la visita, diseñada por medio de este análisis, es mostrarle a los niños todas las puertas posibles para entrar a la obra, para así estimularlos a hablar, y que de ese modo el discurso se desarrolle en base a lo que ellos entreguen.

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Camila Marambio

investiga este sitio www.thegobetween.org

Nuestra Escuela presente en La Vienal de Video Arte de Valparaiso

Docentes, Ayudantes y ex- alumnos muestran sus trabajos en una selección que recorrerá el interior de la región y Santiago.

Profesor Mario Soro En Sala Puntangeles

NUESTRA ESCUELA EN EL DIA DE LAS ARTES VISUALES VALPARAISO 2008

Profesor Carlos Costas en GARAGE "PROTOTIPO PARA PINTAR N2"

una exposición de

Rainer Krause

Inauguración: Martes 2 de Septiembre / 19 hrs.

Muestra Abierta: del 3 al 24 de Septiembre

Dos mesas

La tercera nave que apareció en el horizonte del ciclo de exposiciones Naves a la Deriva fue una mesa, digo dos mesas. Una apoyaba sus cuatro patas sobre las cuatro patas de la otra, de tal manera que conformaban una especie de cubículo al interior del cual venía un silencioso navegante del hemisferio norte.

-Bienvenido, señor Krause- le dije en cuanto las mesas tocaron tierra firme, y al no ver demasiado equipaje le pregunté qué traía para la exposición.

-Bueno, no mucho en apariencia -me respondió- usted sabe, sonidos, conversaciones, diálogos, pláticas, comentarios, palabreos, tertulias, confidencias, habladurías... ah, y este par de mesas que me sirvieron de embarcación-

Y así, en silencio, con las mesas al hombro y algunos cables eléctricos arribamos a Sala Uno.

Allí, el señor Krause instaló 2 Mesas que suenan más o menos así…

Jorge Opazo

Acerca de la obra

En el centro de cada una de las dos salas se encuentra una mesa. En una es redonda, cubierta con un mantel y florero con una flor seca, se asocia a una mesa de un restaurante barato. En la otra sala es una simple mesa de trabajo rectangular.

A cada mesa he designado un suceso sonoro. Bajo de la mesa redonda, escondidos por el mantel se encuentran parlantes y un reproductor CD. Este equipo emite los sonidos de una comida entre amigos en un restaurante chino, con conversaciones, chistes, expresiones de placer, ruidos de los servicios y del acto de comer. El sonido sale de la mesa a través de unos agujeros en su superficie bajo del mantel.

Al contrario en el caso de la mesa rectangular el equipo de reproducción sonora esta plenamente visible. Un parlante simple, “desnudo”, sin caja, debajo de una pata de la mesa, cuatro parlantes en cada una de las paredes de la sala y un reproductor DVD, todos conectados por cables plenamente visibles. Se escucha un sonido estridente de una mesa movida sobre un piso de concreto. Este sonido se “mueve” entre los cinco parlantes.

Aunque ambos trabajos parecen variaciones de la misma poética, del mismo programa operativo, con materiales visuales similares, hay diferencias sustanciales que deben ser perceptibles y reconocibles a través de la vecindad de los trabajos.

Los sonidos que se escuchan desde la mesa redonda son absolutamente triviales. Aquí no se habla de temas interesantes para un público que ni conoce las personas hablantes ni la situación en la cual la comida se efectuó. No obstante la invisibilidad del equipo reproductor deja escuchar el suceso sonoro como parte integral del objeto visual, como su característica inherente. Eso que el público escucha es parte de un pasado, que da significado al “estar ahí” de la mesa en la exposición, y la cual a su vez testifica la autenticidad de acontecimiento. En otras palabras, que se expone es la operación de desplazamiento temporal y espacial de una mesa.

La mesa rectangular al contrario parece ser el punto fijo de un sonido espacializado. La forma estética está “dibujada” por el sonido en el transcurso de su recorrido por la sala, que se desprende de su fuente de origen: la mesa. Se expone la posibilidad de una escucha conciente a través de la separación entre causa y efecto sonoro.

Primer encuentro de Artes visuales UArcis Valpo.

Meada territorial08

Agosto 2008.

Colectivo falso Las Cabezas.

Este primer encuentro pretende hacer coincidir cierta cantidad de puntos de relevancia en un centro común. Vectores técnicos, temáticos, espirituales, sonoros que confluyan no sólo en el edificio que compete a nuestra Escuela, sino también, en la creación de un lenguaje insigne tanto propio como común. La ocupación de todos los espacios disponibles que el inmueble ofrezca, dará la producción de actos puros de voluntad: cada participante decidirá su campo de acción, su producción y su temática, librándose así de todo alcance competente a los estamentos evaluativos.

Estas son las principales cotas de la actividad:

Punto 1. Sobre los espacios a utilizar.

Respecto a este punto, es necesario delimitar expresamente aquellos espacios que de antemano se señalaron como no disponibles, con el fin de no restar importancia al total del edificio.

A partir de esto último, se desprende lo siguiente:

i.-Cualquier intervención al edificio deberá ser avisada y tratada con el o los representantes de Las Cabezas, a fin de contemplar, antelar y solucionar problemas y daños estructurales. Toda acción de reparar posibles daños al edificio estará a cargo de Las Cabezas.

ii.-Toda intervención gozará de libertad activa y su número será el que el autor decida (podrá presentarse más de una obra por autor) sólo si no atenta expresamente contra todo parámetro de integridad física tanto para el posible autor como para el posible espectador.

iii.-En caso que alguna obra-instalación impidiera el funcionamiento de los accesos básicos, estas serán reacomodadas previa discusión con el posible autor.

iv.-Estará contemplado el uso de una sala teórica en caso de que alguno de los participantes desee dar pie a encuentros de conversación/teorización respecto a su o las obras.

v.- En caso que algún alumno de la Escuela, que no esté presente en la exposición y necesite de cierto espacio ocupado por la obra de algún autor presente en ésta, se procederá a dar causa formal a la petición del lugar, quedando en manos del Director de carrera la decisión final del caso.

vi.- Estos puntos serán informados previamente a cada uno de los participantes.

Punto 2. Sobre los insumos tecnológicos.

Se resuelve e informa lo siguiente:

i.-El uso de tales insumos (data, televisor, DVD, CPU, etc.) estará previsto sólo para una proyección inicial efectuada en la ceremonia de inauguración y para una proyección de clausura.

ii.-Se dará uso a tales insumos sólo en el caso 1.iv.

iii.-Toda posible obra que necesite de tales insumos deberá estar resuelta desde ya por el autor, incluyéndolos en su instalación. En cuanto al cuidado, Las Cabezas designará a un encargado para asegurar al posible autor, la integridad de sus equipos.

iv.-Estos puntos serán informados previamente a cada uno de los participantes.

Punto 3. Sobre las intervenciones docentes.

La piedra angular de este Primer encuentro de artes visuales (Meada territorial08) es la libre proposición de ideas y formas. Ante esto, creemos del todo válido la oferta de sesiones de discusión activa por parte de los Docentes; en correlación con la necesidad de manifestar y expresar a partir de la demarcación del territorio.

A pesar que el segundo otrosí de Meada territorial08 reza por la liberación de toda connotación evaluativa, observamos que es posible enfrentar las realidades educador-educando, horizontalizarlas de manera tal que queden empatadas, basándonos en el sentido común y el libre juicio con los que contamos como individuos antes que como instrumentos de un sistema.

Que quede expreso que también los docentes adquieren calidad de expositores de Meada territorial08.

Punto 4. Sobre las fechas de inicio y término respectivamente.

Se acuerda el día 25 de Agosto de 2008 como fecha inaugural de Meada territorial08.

Respecto a la fecha de clausura se mantiene el día 31 de agosto de 2008. Sin embargo, se considerarán dos días hábiles adicionales en caso que la actividad lo amerite.

Punto 5. Sobre los participantes.

Las Cabezas hemos determinado que, inicialmente, se considerarán presentes todos los invitados de antemano y a todo quien se acerque a nuestro encargado (en el caso de los alumnos de la Escuela) con el propósito de acreditar su participación y presentación en la fecha inaugural de Meada territorial08. Sin embargo, queda abierta la posibilidad de agregar expositores a medida que la actividad se desarrolle.

En cuanto a la procedencia de los expositores, queda de manifiesto la absoluta nimiedad de tal respecto, y se desestima la negación expositiva a los requerientes.

Punto 6. Sobre la difusión.

Se necesitarán afiches que serán costeados por Las Cabezas y –en lo posible- por el aporte de la Dirección de la Escuela.

Se entregarán notificaciones vía email a cuanto contacto pertinente maneje el equipo logístico de Las Cabezas; se pedirá subir cierto afiche a la página oficial de UArcis Valpo.

Las Cabezas consideran que es vital en el ciclo difusivo el aporte activo tanto de los participantes como de los docentes, y que el éxito de esta empresa está directamente relacionado con esto.

Punto 7. Sobre la documentación.

Se registrarán tanto el inicio como la clausura de Meada territorial08, así como la totalidad de un primer recorrido por el posible circuito que la actividad proponga. Además, se registrarán todas las posibles sesiones de discusión activa que propongan los expositores y docentes.

Para tal efecto, se necesitará del equipo de grabación y edición con las que cuenta la Escuela, quedando éstos bajo la responsabilidad de Las Cabezas.

Se creará un espacio blog para acceder tanto a todas las obras y sus descripciones técnico-conceptuales e información de los participantes, como a opiniones y material audiovisual de Meada territorial08.

Punto 8. Sobre actividades paralelas.

Está contemplado efectuar un vino de honor el día de inauguración. Cualquier otra instancia de convivencia-jolgorio será realizada fuera de las dependencias de la Escuela, específicamente en Chinaski Jazz Bar.

Punto 9. Sobre los alcances de Meada territorial08.

Honestamente, Las Cabezas creemos que la puesta en práctica de esta actividad es desde ya un éxito. Sin embargo e, inevitablemente, esta ocasión desatará una serie de conexiones dentro de la diminuta madeja artística regional-nacional; en esta posibilidad, en su intersticio se abre la posibilidad de crear pequeños cúmulos o bien engrosar la madeja… La verdad, todo dependerá del buen aprovechamiento y síntesis de los sucesos operantes en el interior, para su extrapolación y posible materialización en nuevos contactos & posibilidades. Todo dependerá del buen uso que se haga de los bonos de voluntad y disciplina que los Involucrados alcancen, desarrollen y exploten en este evento.

En conversaciones de pasillo con algunos alumnos de la Escuela, Las Cabezas hemos extraído las ideas que se encuentran en el interior secreto de cada uno de los participantes: ¿Qué diferencia al objeto-obra de fulano-de-tal-artista-medianamente-consagrado versus el objeto-obra de fulano-de-tal-estudiante-de-arte? No resulta acaso evidente que solamente les diferencia la cantidad de bonos que ha acumulado el primero sobre el segundo, y, que no necesariamente hay que acumular aplausos y lisonjas para ser concebido como un buen artista. Creemos que este primer encuentro rompe con todos los parámetros anteriores respecto a la selección para la exposición, respecto a la fama por sobre la meritocracia.

Finalmente, Las Cabezas, en su afán por desinstrumentalizarlo todo concibe este informe como herramienta fundamental para tal efecto y espera que las cotas previstas para el evento sean efectivas.

Léase, comuníquese, archívese.

DÍA NACIONAL DE LA FOTOGRAFÍA

Los Docentes Guisela Munita, Carlos Silva y la alumna ayudante Mariana Guzman exponen en el Centro Cultural Matucana 100 en el marco del Día Nacional de la Fotografía

"Name is Nobody" es un llamado a la reflexión pasajera. Un cuestionamiento efímero sobre como trasciende la ilegalidad o la marginalidad en todas sus manifestaciones. Todo encarnado en una imagen fragmentada que se encuentra tras las rejas, en donde la aproximación con el objeto se reduce a la distancia entre el observador y el propio lugar.

Una instalación que camina por sobre el límite de la libertad y la privación de ésta, pero que sin embargo, apela a la intimidad entre sujeto y objeto. Se presenta como la encarnación de todas las ilegalidades que están ahí fuera, que transitan sin ser apuntadas con el dedo, que se mueven con independencia, que deambulan como pequeños fantasmas por las calles de la ciudad.

Es la respuesta a lo que vemos a diario, pero que no nos atrevemos a reconocer. Cada una con su propia historia, su propia carga emocional.

“Name is Nobody” es el testimonio de una de ellas que llegó a Valparaíso, de forma ilegal, a comienzos de 1900 y al igual que muchas otras se dejó atrapar.

Desde el 11 al 28 de agosto, en Espacio Garage, ubicado en Lautaro Rosas #428, Cerro Alegre, Valparaíso.

Así en la Tierra como en el Cielo

La segunda nave que apareció en el horizonte del ciclo de exposiciones Naves a la Deriva fue otra extraña embarcación. Rara de verdad. Una especie de máquina fotocopiadora, hecha completamente de madera, que avanzaba raudamente entre las olas. Sobre la cubierta de fotocopiación venían dos tripulantes: uno vestido con un overall café claro, afanado en el mantenimiento del sistema de aire acondicionado de la nave. El otro vestía un chaqueta de pana roja, algo gastada, y pintaba alegremente una serie de cuadros al acrílico que, de cara al sol, se secaban casi instantáneamente.

¿Qué diablos…? Me dije mientras avanzaba por el muelle para darles la bienvenida.

“Que tal -me dice el pintor de pana roja- traemos luz, color, paz y amor a su convocatoria”

“Yo no diría eso -dice el overall café con leche- por mi parte estoy más interesado en los sistemas de circulación del aire. A propósito ¿cuenta su sala con un buen sistema de aire?”

“Por supuesto –respondí- un excelente sistema natural de aire marino internacional”

No dijimos mucho más. Sin embargo, mientras subíamos en el ascensor Concepción me pareció escuchar una leve cancioncilla que se colaba por los audífonos del pintor de pana roja. Decía –en un extraño idioma internacional- algo así como:

“I am sleeping

And right in the middle of a good dream

Like all at once

I wake up”

La Escuela de Bellas Artes de la Universidad Arcis de Valparaíso, tiene el agrado de invitarles al ciclo de intervenciones urbanas en la ciudad de Valparaiso "Intervenciones y Enlaces".

Intervenciones y Enlaces comienza el sábado 12 de julio, con intervenciones y obras de los artistas en distintos lugares de Valparaiso, activando la ciudad y generando un circuito de arte en esta.

El mismo día sábado 12, los artistas estarán haciendo sus intervenciones y disponiendo las obras en la ciudad, desde las 12 del día, comenzando por Av. Argentina intersección Av. Brasil.

Esperando su presencia y difusión se despide Egreso 2008

CURATORIA “NAVES A LA DERIVA”

La convocatoria 2008 de Sala Uno se titula “Naves a la Deriva”. Así, aludimos a la doble condición de lugar y no lugar, de llegada y partida, de “debut y despedida” que supone esta especie de sala-puerto; un portal de navegación incierta, enclavado en un cerro con vista al mar. Requerimos entonces, proyectos capaces de moverse a sus anchas dentro de los límites inciertos de un lugar de “enclave a la deriva”.

En efecto, Sala Uno es un espacio compartido por alumnos, profesores y artistas en general, un espacio de exposición heterogéneo, abierto y contenido al mismo tiempo. En este sentido esperamos proyectos independientes, arrojados, transparentes, que sepan convivir en el contexto de una escuela con artistas en formación.

Quisiéramos trabajos más frescos que secos, más agudos que graves, más abiertos que herméticos, donde el protagonista sea la obra y también el artista. No queremos artistas exclusivos, “de galería”, porque esto no es una galería y yo no soy un “curador”. Queremos artistas que no tengan ningún problema en exponer-se en una sala universitaria en la punta del cerro.

Actualmente nuestra universidad practica un campo alternativo, constructivo, de espacios de exposición que dialogan con la comunidad desde otro lugar. Sala Uno y Espacio Garage en Arcis Valparaíso, La Factoría y Estación de Trabajo en Arcis Santiago, representan ese intento de articulación estudiante-artista-barrio. Por lo mismo, queremos artistas que se la jueguen en todos los aspectos, desde el diseño de la invitación (ese papelito siempre a la deriva) hasta la posibilidad cierta de diálogo en el contexto de la exposición.

La presente convocatoria propone como tema su mismo título, esperamos que sea lo suficientemente amplio y sugerente para que cada artista nos visite, solo o acompañado, como una “Nave a la Deriva”.

Jorge Opazo

No es una Historia de Salvación

La primera nave que apareció en el horizonte del ciclo de exposiciones Naves a la Deriva 2008 fue una balsa de madera, sin ningún sistema visible de propulsión. Esa mañana -de una calma geométrica que auguraba tormentas- enfoqué mi catalejo y pude observar claramente que la bandera de aquella balsa estaba hecha de papel. Era un documento diplomático que ondeaba al viento y decía en letras verdes:

Cabo de Buena Esperanza

En nombre del Dios Neptuno -rey de los mares-

al bautizarte solemnemente en sus

predilectos dominios del Ecuador

te otorgo el nombre de JUREL

Con este noble nombramiento podrás

circular libremente por todos los océanos

siendo respetado como corresponde a tu alta jerarquía.

En la línea ecuatorial, a 14 de Agosto de 1950

El Comandante de la Nave y el Ministro Canciller.

“Pero…” -alcancé a decir- y en ese preciso instante emergieron ballenas, cachalotes y pulpos jugueteando en torno a la pequeña embarcación llamada JUREL. Debido al fuerte oleaje desatado por los monstruos, los tripulantes de la balsa cayeron al mar y tuvieron que nadar unos 3 kilómetros antes de alcanzar la costa. Llegaron exhaustos, maldiciendo el agua salada y lamentando la pérdida de los pertrechos que traían para la exposición: tridentes, palmeras, islas, anclas, timones, tifones, cuerdas, parches, salvavidas, remos, mástiles, ron…

Al día siguiente -secos- emprendieron el montaje en Sala Uno. Y aunque se titule No es una Historia de Salvación, la exposición de los sobrevivientes Poch, Brega y Leonhardt no es sino la reconstrucción de un proyecto naufragado, el remake de algo que no pudimos conocer en realidad. Porque las obras originales se las llevó el Dios Neptuno al fondo del Océano Pacífico, un día de claridad geométrica, frente a las costas de Valparaíso, mientras yo miraba a través de un catalejo y decía “pero…”

Jorge Opazo

Julio 2008

"CON SECUENCIA"

Alumnos Escuela de Bellas Artes Universidad Arcis Valparaiso

De: Myren Uriarte, Javiera Marin, Fabiola Saavedra, Jorge Roman, Carolina Beltran, Cristobal Garcia de la Huerta y Leoni Brenner.

El titulo de esta muestra, entregado por los alumnos de la Escuela de Bellas Artes de la U. Arcis – Valparaíso, fue extraído desde un diario como posibilidad de un ir dando cuenta de un momento en su producir: realizar aquella incisión al diario, al texto, a la noticia, en aquel momento cierto, la palabra se abre como posibilidad de inscripción para el debate, para la pregunta que irrumpe en el taller : cual será la consecuencia o la secuencia de ese gesto que se desdibujo en el diario, la tachadura de ese gesto se abre como vació en la cotidianidad del espacio. Lo cierto es que el titulo dispuesto en el taller de grafica deja ver por ellos (as), dos momentos. Lo primero como resultado, o seguimiento de un proceso de trabajo realizado a partir de propuestas personales y de un trabajo de investigación de parte de ellos, con estados de avance permanentes, la secuencia o consecuencia de sus propias operaciones irán abriendo nuevos caminos, desocultando y develando los procesos productivos en cada operación, así las operaciones se van dando en la posibilidad de proyectar sus propias experiencias, dibujando en el espacio con otros instrumentos , para luego ubicar sus procesos de obras , en otro soporte de obra: los cuerpos expuestos en este espacio nos hablan del cuerpo mismo, del tiempo y del espacio, del tacto y de la superficie, del cuerpo y de la matriz, de lo sonoro y de lo audible, de la luz y la sombra, que va abriendo espacio.

La secuencia de operaciones expuestas para este espacio deja en tensión el espacio mismo, los objetos desaparecerán, los cuerpos desaparecerán como consecuencia de lugar mismo, el titulo de esta muestra partirá o terminara como ejercicio visual para constituirse en obra, el vació volverá a ser enormidad y posibilidad de discusión. Por mientras lo que se despliega es lo que se reúne como acontecimiento de un devenir por venir.

Ricardo Villarroel

Miren Uriarte

Carolina Beltran

Jorge Roman

Fabiola Saavedra

Leoni Brenner

Javiera Marin

Cristobal Garcia de la Huerta

Los expositores son

Celeste Núñez Bascuñan, Pablo Saavedra Arévalo, Francisco Olivos Lallave, Yessica Taucán Castro, Nemesio Orellana Martínez, Mariana Guzmán Mesina, Hugo Navarro Zúñiga

Jorge Opazo docente Escuela de Bella Artes Expone en H10

La historia del arte y la literatura, pero sobre todo, el cine de ciencia ficción y el cómic son los referentes que marcan el trabajo del artista nacido en Buenos Aires y residente en nuestro país, Jorge Opazo. Referentes que en su nuevo proyecto, "Space opera", están en primera línea: una colección de figuritas plásticas de astronautas, robots, androides y extraterrestres.

"Interpelan al espectador como pequeños maniquíes en vitrina", explica el artista sobre su nueva obra, una especie de módulo espacial instalado en un espacio público, donde se realizan experimentos para el conocimiento, experiencia e integración del arte contemporáneo.

En el trabajo, que exhibe en la singular Galería H10 de Valparaíso (básicamente una vitrina ubicada frente a la Plaza Aníbal Pinto), Opazo toma dos realizaciones cinematográficas fundamentales: "Solaris", de Andrei Tarkovsky y "2001, odisea en el espacio", de Stanley Kubrick. Y suma citas a "Star wars" y "Star treck", series que definen la estética "retrofuturista" de la instalación.

"Mi trabajo como artista visual y dibujante de cómics explora el aspecto narrativo del arte a través de las relaciones entre el imaginario popular, la infancia, la historieta y el arte contemporáneo", dice el artista que recientemente obtuvo un Premio en el Encuentro Iberoamericano de Cómics y Animación de Buenos Aires y que actualmente prepara su primer libro, una compilación de historietas de los últimos diez años.

-En "Space opera" continúas con el tema de la ciencia ficción.

-En este caso continúo con ciertas experiencias plásticas en torno a la ciencia ficción, género que opera en mi trabajo desde la fascinación por una estética de anticipación, donde conviven aspectos científicos y fantásticos simultáneamente, una especie de pseudociencia popular. También opera simbólicamente como una metáfora del viaje hacia lo desconocido, donde las categorías psicológicas colapsan y se renuevan.

-¿Qué pretende "Space opera" en esta -literalmente hablando- vitrina, que es la Galería H10?

-El proyecto se apropia del espacio intermedio que es la vitrina, siempre entre lo público y lo privado, para generar una instancia donde el espectador reconozca un cierto imaginario, tanto del espacio doméstico como del espacio exterior. La idea es que el observador se asome a la galería como a una pequeña ventana al universo y, en sentido inverso, para los pequeños protagonistas de ‘Space opera’, la plaza Aníbal Pinto se constituya como el verdadero espacio exterior.

Fuente La Nacion.cl

”Influencia extranjera” es el nombre del montaje que realiza Mario Z en espacio Garage. Esta suerte de sala de exposición-cueva-animita es tomada por el artista como un campo de pruebas, de preguntas, de dobles lecturas. Estas interrogantes pertenecen a contextos muy variados como el mundo del arte y la cultura, contingencia política, rivalidades sociales y regionales, etc. El sistema o dispositivo que permite el cruce entre estas interrogantes es la ironía que opera como medio de vanalización inquietante, de autodestrución operética.

¿El respeto existe? ¿La verdad existe? Que trascendente es el arte, que importante es el poder, tú eres el elegido, que vivan las trienales, las rivalidades, las artistas visuales bonitas, los consejos de cultura y la popnografia. Ahhhhh y se me olvidaba god save them…los teóricos of course.

Pagina Mario Z

www.nortonmaza.com www.norton-maza.blogspot.com/

Escuela de Bellas Artes Arcis Valparaíso, Lunes 5 de Mayo 17:00, Charla del colectivo “Plataforma cultura digital”, laboratorio de arte y ciencias Chileno.

Galeria SalaUno, Escuela de Bellas Artes Arcis Valparaíso Lunes 5 de Mayo, 19:30, Lautaro Rosas 428

“El Vocabulario del Video”

STEINA y WOODY VASULKA

Se puede afirmar que hablar de los principios del arte experimental electrónico en el mundo significa citar inevitablemente el trabajo de Steina (1940, Reykjavík, Islandia) y Woody Vasulka (1937, Brno, República Checa).

Pioneros en la utilización de sintetizadores de video, fundan a comienzos de los 70´ en Nueva York "THE KITCHEN", el legendario teatro de artes electrónicas en el cual trabajaron y exhibieron importantes artistas como Bruce Nauman, Juan Downey y Nam June Paik entre otros.

Desde el nacimiento de "The Kitchen", experimentos entre video, performance, instalaciones y máquinas manejadas por computadoras fueron registradas y compiladas en este DVD por Steina y Woody Vasulka .

Su trabajo es parte fundamental de la historia del video y el arte electrónico, sobre todo por su aporte en la observación y experimentación del comportamiento de la energía en diferentes medios.

Anja Gossens (ZKM)

www.vasulka.org

"DONDE HAY UN HUESO, HAY UN PERRO"

Alvaro Herz Serrano

lunes 05 Mayo al jueves 22 Mayo

activo las 24 horas hacia el espacio público

"Cinocéfalos", humanos con cara de perro; una alegoría entre un

antiguo y nuevo cínico, una forma de contextualizar la bestialidad

humana, representando la insolencias que irrumpen en lo cotidiano

perturbandoy arrasando.

Por ello "Donde hay un hueso, hay un perro", es parte de la itinerante

denuncia que hace el artista visual Alvaro Herz Serrano, en donde lo

híbridoy bestial se desenvuelve en diversas escenografías, en el cual

espectador y entorno, se hacen partícipe de esta queja contra la

prepotencia señorial en su manipulación dictatorial.

Este es un aullido kynico que repercute en silencio y sin algarabía,

como una manera de afirmar y actualizar en la memoria colectiva, la

presencia asechante del insolente de traje y cola levantada, para así

prevenir mordeduras en masas. Una forma de conzientizar el peligro

avasallador de la minoría de la impunidad totalitaria.

"El señor cínico alza ligeramente la mascara, sonríe a su débil

contrincante y le oprime.

No hay nadie que pueda revelarse contra el cinismo de la prepotencia.

El que hacia fuera se rige por el principio de realidad, hacia adentro

es un sujeto silencioso; el que objetivamente porta la destrucción y

subjetivamente es un pacifista; el que de por si desencadena

catástrofes, para si mismo es la inocuidad misma. En este mundo de

inteligente e instintivos conformistas, el cuerpo dice no a las

necesidades de la cabeza y la cabeza dice no a la forma y manera como

el cuerpo obtiene su confortable autoconservación".

Peter Sloterdijk

Felicitamos a Marcelo Mellado, docente de nuestra escuela, ganador del Premio de la Critica 2007 por su novela Ciudadanos de baja intensidad, otorgado por la Universidad Diego Portales.

Felicitamos al profesor Jorge Opazo por la obtención del Premio Iberoamericano de comic con su historieta "Orbita Sobrenatural", recientemente galardonado en Buenos Aires.

TESIS 2008

Lunes 14 de abril. Gonzalo Latoja / Daniel Cerda "BASECOLOR"

BaseColor utiliza distintos lenguajes comprometiéndose en parte con diferentes procesos y medios de representación mediante la alteración del paisaje.

BaseColor es la acumulación, la batalla naval, el pretexto, es el video juego PONG.

BaseColor se origina desde la relación cromática de superficies que interfieren en el espacio algunas veces delimitado y en ocasiones fortuito, otorgando de esta manera un gesto de instantaneidad de paisaje.

ESPACIO GARAGE

Espacio Garage es un lugar público especializado en la exhibición y difusión de arte contemporáneo. Su gestión depende de la Escuela de Artes Arcis Valparaíso.

Este espacio por sus particularidades físicas se ha centrado en propuestas experimentales e investigativas tanto de artistas jóvenes como consagrados en el medio nacional.

Espacio Garage es un espacio que se abre desde el interior o desde los cimientos de la Escuela hacia el espacio publico, entendido este como la calle en que esta se encuentra emplazado el espacio, lo que en su calidad de garage, y por poseer un portón permeable visualmente, permite muestras que funcionen las 24 horas al devenir del transito; y como instancia artística, se constituye en un territorio de exploración a disposición de los artistas, ofreciendo no sólo un lugar de exhibición, sino que además un soporte teórico para la discusión y reflexión en torno a la producción del arte contemporáneo.

Los gestores del proyecto son los artistas y docentes Mario Z, Carlos Silva y Alfredo Da Venezia.

Como inauguración del espacio se presentara el día jueves 6 de marzo, en Lautaro Rosas 428, Cerro Alegre, Valparaíso, la performance "Atrapando Sombras" de Adam Nankervis

>MUSEUMMAN

Experiencia Taller de Dibujo Analítico con C.R.A.C Trabajo de taller en que nuestros alumnos del ramo de dibujo análitico II y IV compartieron experiencias con los artistas Colombianos en residencia de C.R.A.C Jaes Caicedo y Alejandra Gutierrez, más la colaboración de la directora de C.R.A.C la profesora Paulina Varas.

La jornada comenzó con una charla de los artistas donde expusieron sus experiencias y reflexiones en cuanto a su obra y su trabajo de intervención en Cali.

El trabajo con los alumnos de primer año planteó la idea de exploración a la ciudad en la busqueda de objetos significativos que permitiesen dar cuenta de la memoria de un lugar.

Una vez elegidos los objetos estos procedieron a ser analizados en el taller desde el dibujo.

Proceso de recolección de objetos en las ruinas del edificio Cousiño, Valparaíso.

La segunda parte involucró al taller de dibujo de segundo año, donde se realizó una sesión de modelo vivo abordo de un Troley(Transporte electrico de Valparaíso), teniendo como principal objetivo, el análisis y registro de los movimientos del sujeto y su contexto.

Registros: Jaes Caicedo, Paulina Varas, Carlos Silva

CELESTE NUÑEZ alumna de tercer año de nuestra escuela muestra su trabajo en Expo Artistas 2007 3ra edición en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires Argentina.

Camila Barrientos Salazar de 21 años de edad, estudiante de 4º año de Bellas Artes y Pedagogía en Artes, resultó ganadora del Premio de Honor de la Universidad de Valparaíso por su obra tridimensional “Sin Título” en la 29ª Versión del Concurso Nacional de Arte y Poesía Joven que organiza la citada universidad porteña. Camila es de la ciudad de Arica e ingreso a nuestra Universidad el año 2004.

Este concurso entrega además sólo un premio por categoría, siendo el Premio de Honor el más prestigiado del país en su rubro. El jurado a cargo de la presente versión, en la categoría plástica, estuvo conformado por Alicia Larrain, artista visual; Isabel Klotz, artista visual, y Juan Ayala, académico de la Universidad Técnica Federico Santa María.

La obtención de este Premio es un reconocimiento a la capacidad creadora de Camila pues se participaron alrededor 300 trabajos en las diferentes áreas del concurso. Además de empezar a mostrar los frutos del trabajo académico que se viene realizando en nuestra carrera de Bellas Artes.

La exposición de la muestra 2007 del concurso, será inaugurada el 5 de octubre en la Sala El Farol de la Universidad de Valparaíso (Blanco 11 33, Valparaíso).

TALLERES

EGRESADOS

Alvaro Herz (Parte I y II)

Carlos Silva

Mariana Guzman

Rocio Roman

Cecilia Araya

Trabajo de alumnos

Pablo Rubio, Lucia Rumian, Diego Munoz

Pablo Savedra

Camila Barrientos

Celeste Nuñez

Francisco Olivos

Sebastian Ramos

Nemesio Orellana

Yessica Taucan

Trabajos de profesores

2007-08-08T07:32:00.001-07:00

Alonso Yañez

Mauricio Bravo

Klaudia Kemper

Mario Soro

Mario Soro. Entrevista para TVN cable en el contexto de un trabajo de intervención urbana de alumnos de la carrera de arte en conjunto con la comunidad del cerro Monjas de Valparaiso.

Alfredo Da Venezia

Ricardo Villarroel

Mario Z

Pedro Sepulveda

Vanesa Vazquez

Jorge Opazo

Arturo Valderas

Jorge Gronemeyer

Marcelo Mellado

Cabezas de Playa.

Mario Sobarzo - José Solís.

Las metáforas son de por sí infinitamente complejas. Las metáforas militares además tienen el conflicto como base, lo que las vuelve conflicto de por sí. Ello ocurre, más aún, si tal uso metafórico se expande hacia el propio campo del arte, no tanto como una invasión que provenga desde algún exterior, sino más bien como la puesta en forma (o en lengua) de aquello que continuamente ha pertenecido al arte. En efecto, el arte, al menos desde la sanción historiográfica, se ha organizado siempre polémicamente. Tensiones estilísticas, de géneros, de materialidades y sentidos se han agolpado en infinitas batallas, donde la visibilidad de los triunfadores nunca es completamente transparente, ni tampoco el triunfo parecer ser absolutamente definitivo. Aunque sin duda discutible, esto pareciera ser la constante por medio de la cual el arte ha pensado su propia empresa histórica. Sin embargo, debemos preguntarnos por la eficacia de una de las metáforas militares más elocuentes que ha venido no tanto a exponer esta condición polémica, como a desplazarla, aunque repitiéndola y, por que no decirlo, volviéndola casi indistinguible del arte mismo. Nos referimos a la palabra “vanguardia”. Su intención bélica ya no opera al interior del arte en tanto una más de las posibles posiciones en pugna, sino que se trata de una autocrítica: el arte se ha levantado contra sí mismo, su único y verdadero enemigo. Es esta situación la que vuelve pertinente el preguntar con la más decidida urgencia ¿por qué el arte y la sociedad están en conflicto? ¿Es acaso este conflicto simple metáfora, o tendrá alguna “realidad”? Que el arte, en la vanguardia, se coloque a sí mismo como enemigo al tiempo de ser el lugar desde donde reunir las fuerzas para dicha batalla, no convierte, o mejor dicho, no reduce el escenario de la contienda a la pura artisticidad. Por el contrario, el conflicto librado en su interior consiste en un desdoblamiento de la propia beligerancia que apunta a desbordar constantemente los límites que la confinan. La lucha del arte contra sí mismo, no es la mera reproducción interior y “metaforizada” o incluso mimética de la conflictividad “externa” de lo social (así lo hubiera pensado una teoría del reflejo, cuyo vector estético es el realismo). La disyunción entre arte y sociedad, no acontece para la vanguardia a través de una figuración metafórica que sublime artísticamente el desgarramiento político con el fin de nutrir sus temáticas o formas, por el contrario, su intento descansa en presentar lo “real” como polémica, intranquilidad e indecisión. No obstante, ¿puede lo “real” presentarse a sí mismo en su conflictividad sin producir una repetición infinita de su semblante, que lo haga inevitablemente caer siempre en la inmanencia? Al parecer su inestabilidad sólo es susceptible de “aparecer” -más allá de la traducción estética- en la propia operación que el arte hace en y con lo real mediante un constante descentramiento de sus cabales; tal vez por ello sea pertinente aquí preguntarse si dicha operación es eminentemente artística (y por tanto autónoma en su rendimiento) o es lo real mismo que, torciéndose sobre su espalda, hace del arte su mejor partera. Distingamos. Sobre la intimidad polémica de lo social que el arte hace aparecer tras su operar en y con lo real, se sostiene, a su vez, una conflictividad de segundo grado, ahora entre arte y sociedad, dilema que la vanguardia no deja de volver imposible de inscribir como algo únicamente social o exclusivamente artístico; he aquí, a nuestro juicio, la “realidad” del conflicto.
Ahora bien, sin duda la metaforicidad militar, tal como aquí intentamos comprender, cruza por completo el destino actual del arte. Pero intentemos adelantar una nueva metáfora, que, junto con heredar la problemática bélica de la vanguardia, pueda desprender de su sentido una clara alusión territorial y local que permita asumir la especificidad de nuestra escuela. Nos referimos a la noción de “cabeza de playa”. ¿Qué forma de batalla necesita una cabeza de playa? ¿Qué forma de guerra necesita una cabeza de playa? ¿Qué poder hay detrás de la constitución de una cabeza de playa? Las cabezas de playa son tomas de terreno. Ocupaciones ilegales de tierra en un poder distinto al propio. ¿Qué poder hay en el arte? ¿Quiénes ven el “arte”? ¿Qué poder el arte tiene como enemigo? Sin duda, esta metáfora pertenece al linaje de términos como vanguardia. Se trata de un parecido de familia, más no su simple repetición. Cabeza de playa es operar en un poder distinto al propio. Poder del arte en un espacio al parecer ajeno o, al menos, discontinuo de aquél. Si esta metáfora, por un lado, no trata evidentemente de retrucar a la vanguardia y, por otro, trabaja en un poder diferente, ¿en que poder el arte, esta vez, realizaría sus incursiones? Diremos, pues, que ese poder es la institución. Paradojal podría resultar esto si nos pareciera indiscutible el vínculo entre arte e institución, ya que sobre esa distinción giró justamente la vanguardia en su guerra del arte contra el arte, que no era sino el intento de destrucción institucional del mismo. Bajo el ánimo postvanguardista, la relación arte-institución constituye ahora un indecidible, una conflictividad análoga a aquella que dibujamos más arriba entre metáfora y realidad. El arte tiene un poder que pretende organizarse desde otro poder, desde un nuevo territorio, enemigo, necesario de conquistar para beneficio propio. Se tratará, por ende, de capturar la institución para volcarla al servicio de su propia y constante destitución. Esa es la especificidad potencial del arte que dispone sus motivos sobre otro poder. En efecto, la cabeza de playa es el asalto que cruza el borde para agenciarlo a su favor, a la espera de la llegada de refuerzos. Aquí radica, tal vez, la diferencia con la vanguardia. No se trata, como en ésta, sólo de romper el frente en miras a una conquista total del terreno, sino de apropiarse de él para emplazar allí, en el límite, una expectativa que lo abra y permita acoger la llegada de mejores tiempos. Cierta lucidez en sus recursos parece embargar a la cabeza de playa, lucidez que la vanguardia nunca tuvo por exceso de confianza en sus propias fuerzas, movida por una extrema “pasión de lo real” que la condujo a identificar su condición de avanzada con todo el ejército disponible. El estado de espera de la cabeza de playa, asume no una debilidad estructural ni pusilánime –tan frecuentes en el arte contemporáneo- sino su correcta posición en la batalla, ni más ni menos. Pero, las batallas son infinitas. Tantas como las subjetividades. Y, ¿el arte constituye cabeza de playa en el mundo? ¿O el mundo produce cabezas de playa en el arte? ¿O ambas? ¿O ninguna? Quizás habría esto que pensarlo en la doble faz de la indecisión, de la misma cuantía que la habida entre arte y sociedad, arte e institución, ahora entre arte y mundo. Ambos dominios dejan sus cabezas de playa, pero siempre bajo la cifra de la espera conciente de su propia fuerza. El arte aguarda en su conquista del mundo, el mundo demora en su conquista del arte. Y realmente, ¿cuál es ese mundo?
Ya habíamos dicho que la nueva metáfora no sólo cumplía con heredar el tono de la vanguardia, sino que además alude a un territorio y una localidad en la cual se inscribe, esta vez, la institución en su juego destituyente. ¿Qué es arte en Valparaíso? ¿Qué es arte en Arcis? ¿Qué cabeza de playa se hace en esta Universidad, en esta ciudad? La geografía de todo puerto, su disposición material en tanto ciudad, es su volcamiento al límite que constituye el hiato entre tierra y mar. ¿Qué ocurre cuando esta frontera se cierra tanto física como simbólicamente, privatizando su vocación articuladora de lo urbano? El territorio se dispone, pues, de otra manera; la ciudad puerto antes abierta por la hendidura geográfica que naturalmente la vio nacer, de pronto se convierte en ciudad interior, metrópolis en donde el borde-mar deja de ser el centro alargado que antaño hilvanaba sus recorridos. La metropolitanización astilla la ciudad incesantemente en múltiples centralidades, la intimidad y lo familiar, el rincón y el detalle se vuelven su vocación más propia. Precisamente esta transformación simbólica y modernizadora del puerto de Valparaíso, invoca a una reflexión sobre la textura de sus nuevas espacialidades, aquellas que aún dejan entrever tras sus fibras la vieja frontera geográfica que la vio nacer como ciudad. Arte en Valparaíso, como cabeza de playa, apunta a romper y habitar la clausura de este borde. En tanto metáfora heredera de la vanguardia, debe hacerse cargo de aquello que ésta abrazó como su más profunda intencionalidad: la relación entre arte y vida. Justamente, la visibilización de los distintos estratos territoriales que se tejen sobre el borde inaugural de la ciudad, requiere desenterrar las prácticas cotidianas que se arriman en los rincones de la modernizada ciudad interior. Ya lo preguntábamos más arriba, ¿puede lo “real” presentarse a sí mismo en su conflictividad desnuda? Quizás sólo el arte - cabeza de playa que opera con y en otro poder- sea quien permita sacar a flote lo que respira polémicamente tras el comercio diario de la ciudad, poder de lo real que debe ser asaltado y redirigido en la espera de tiempos mejores. Territorio, como disposición espacio-temporal de lo político, y cotidianidad, como agenciamiento contingente del hacer urbano anudado a las cristalizaciones territoriales, se dan la mano en el cruce entre arte y vida en Valparaíso. Esta acometida reflexiva –y obraica- en torno al borde, no sólo debe hacerse cargo del semblante geográfico e histórico de la ciudad. También debe verse afectada por otro margen, más general, más abstracto, de segundo grado con respecto al anterior, y que dice relación con el hiato ya anunciado entre arte e institución. Se da cita aquí, por tanto, una doble polémica del límite: el urbano-artístico y el artístico-institucional. Ya lo decía Derrida: ¿Qué es un borde? ¿Qué se atraviesa cuando se atraviesa un borde? ¿Hay cabezas de playa de las multitudes que se toman las formas de representación? ¿Es eso kitsch? ¿Es eso popular? ¿Es eso fascista? ¿Es eso político? ¿Es eso artístico? El problema de la clausura urbana del borde-mar se expande y coloniza, a su vez, la frontera entre arte y sociedad, institución y lengua profana. Es necesario pensar la naturaleza de la espera –si es que existe- de las cabezas de playa de las multitudes que penetran el mundo institucional del arte y el modo en que, a su vez, el arte instala las suyas en aquellas. Asunto político o artístico, quizás nuevamente cuestión de indecidibles, aunque no por ello impensable desde ambos lugares.
¿Qué cabezas de playa toman nuestra cabeza hoy? ¿Son las mismas cabezas de playa? ¿Hay una escuela que tenga alguna cabeza de playa en los profesores que la integran? Tal vez en ello radica la más absoluta riqueza estética y política de Valparaíso. La naturaleza de su problema, el del borde, es una potencia capaz de articular la reflexión interna de la propia institución que el arte intenta hacer suya para cumplir sus intereses. Los profesores, estudiantes y no académicos de la escuela de artes de ARCIS Valparaíso, no pueden sino afectarse de las dificultades que esta especificidad territorial y cotidiana no deja de donar.
Pivote entre ciudad e institución, el arte en Valparaíso -y en esta escuela- hace de esta bisagra su más profunda batalla, inscrita en una guerra aún más universal y heredera de la belicosidad vanguardista, aquella de un arte que, enfrentado así mismo, puja contra su propia y a veces inevitable reificación.

Diciembre de 2007.

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